Cultura adquiere en ARCO 26 obras para el Museo Reina Sofía, la gran mayoría de mujeres

El Museo Reina Sofía y el Ministerio de Cultura han comprado conjuntamente en ARCO 26 obras pertenecientes a 19 artistas, 14 de ellos mujeres, por un valor de 497.999 euros. El año pasado adquirió 30 piezas por 533.000 euros. Josep Grau-Garriga, Judy Chicago, Mónica Mays o Daniel Steegmann Mangrané son algunas de las figuras cuyos trabajos han sido obtenidos por el Estado.

Con los 398.499 euros aportados por el Ministerio de Cultura, se han adquirido 22 obras de 15 artistas: Laia Abril, Elena Blasco, Ángela de la Cruz, Victorina Durán, Agnes Essonti Luque, María Luisa Fernández, Josep Grau-Garriga, Raquel Manchado, Mónica Mays, Marta Minujín, Robert Morris, Maribel Nazco, Mònica Planes, Carlos Rodríguez-Méndez y Marina Vargas.

Por su parte, el Museo Reina Sofía ha pagado 99.500 euros por cuatro obras de cuatro artistas: Judy Chicago, Juan Pablo Echeverri, Daniel Steegmann Mangrané y Luz Lizarazo. Por otro lado, el Ministerio de Cultura y el Ministerio para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico han acordado destinar fondos del 2% Cultural a la compra de obra en ARCO para iniciar la colección estatal de Arte y Clima, que se exhibirá en la Bienal Climática.

Como nota destacable, el secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí, y el director del Museo Centro de Arte Reina Sofía, Manuel Segade, tras la Comisión Permanente del Real Patronato del Museo Reina Sofía reunida hoy viernes en ARCO, han informado de que el en esta ocasión adquisiciones de artistas mujeres alcanzan un porcentaje del 73,6%.

Laia Abril: ‘On Rape’

Laia Abril (Barcelona, 1986) es una artista multidisciplinar establecida en Suiza cuya práctica artística aborda las desigualdades de género, la sexualidad y la biopolítica, y que se materializa a través de la fotografía, el texto, el vídeo y el sonido. En sus obras se sirve de una doble estrategia: el uso del lenguaje de la fotografía documental, como herramienta para hacer visible las realidades que aborda, junto con el análisis discursivo con formato periodístico que acompaña la mayor parte de sus trabajos. Su trayectoria y proyección internacional ha sido reconocida con el Premio Nacional de Fotografía en 2023. Actualmente es profesora de Narrativas Visuales en la Lucerne University of Applied Sciences and Arts (HSLU).

Las tres obras adquiridas por el Museo forman parte de la instalación visual On Rape [Sobre la violación] de 2019, iniciada tras el impacto del caso de La Manada, con el objetivo de poner de relieve la pervivencia de la cultura de la violación en la sociedad actual. Las tres obras forman parte de una serie de retratos conceptuales cuyas historias visibilizan casos de supervivientes de agresiones sexuales en diferentes ámbitos: el ejército (Military Rape, US), la iglesia (Church Rape, Argentina) y los matrimonios forzosos (Ala Kachuu, Bride Kidnapping, Kyrgystan).

Elena Blasco, ‘Estufa-Adelfa’

Estufa-Adelfa, Elena Blasco

Elena Blasco (Madrid, 1950) es una artista multidisciplinar con una amplia trayectoria que abarca la escultura, la pintura, la fotografía y la instalación. Licenciada por la Facultad de Bellas Artes de la universidad Complutense de Madrid con especialidad en pintura y diplomada en Fotografía y Decoración por la Escuela de Artes Plásticas de Madrid.

Su trabajo es tan personal que realmente no encaja con las corrientes o experiencias artísticas coetáneas en ningún momento de su trayectoria. Su lenguaje trasgrede, como el de pocos artistas, las fronteras entre los diferentes medios y técnicas. La obra adquirida en ARCO, Estufa-Adelfa (1991), fue presentada en su exposición individual de la galería Ángel Romero de Madrid, titulada: Al deseo: Lo meneo, y que más da no entender. La obra, una estufa portátil y un gran tiesto envueltos firmemente por una gruesa cuerda que casi los cubre, es un irónico ready-made que remite a un impulso conceptual en reacción a la pintura expresionista que había triunfado en el arte español de la década anterior.

Ángela de la Cruz, ‘Nothing Under a chair’

Nothing Under a chair, de Ángela de la Cruz

Ángela de la Cruz (A Coruña, 1965) es una artista afincada en Londres desde los años 90. Ha desarrollado su trabajo como una revisión de la pintura desde sus límites con lo tridimensional, el objeto y la escultura, lo que hace su obra inconfundible y original. Sus piezas tienen además una lectura social y crítica. Sus deformaciones de marcos y telas, rompiéndolos, rasgándolos, aplastándolos, son símbolo de su pensamiento sobre el mundo, en muchas ocasiones con ironía y también aludiendo a su propia persona y experiencia vital. La autora es Premio Nacional de Artes Plásticas en 2017 y finalista de Turner Prize en 2010.

La obra Nothing Under a chair [Nada bajo la silla] (1999) es una pieza pionera de la serie en las que el lienzo se acopla a diferentes piezas de mobiliario. Expresa su aproximación a lo escultórico con una connotación metafórica que se refiere al acto creativo: la silla manchada de pintura, y el lienzo arrugado, desechado debajo. Es también una representación o reflejo de la vida cotidiana de la artista, siempre como metáfora del cuerpo que ama, odia o sufre, según ella recuerda. Hasta ahora, el Museo no ha tenido obra de Ángela de la Cruz. Esta pieza paradigmática de su trabajo, por su cronología y significado, tendrá cabida en la nueva reordenación de las Colecciones como obra destacada de la crisis representacional de la pintura, y también de las nuevas posibilidades de la escultura a partir de los años 90 del siglo pasado.

Victorina Durán Cebrián, seis dibujos de erotismo lésbico

Dibujo de Victorina Durán

Victorina Durán Cebrián (Madrid, 1899-Madrid 1993) fue pintora vanguardista asociada al surrealismo de los años veinte y treinta, vinculada a la renovación de las artes escénicas en la Generación del 27. Este conjunto de 6 dibujos realizados por Victorina Durán en los años 30 respira un aire de intimidad que evoca por un lado el mundo del ballet, que la artista conoció en su infancia, y por otro un erotismo lésbico que en aquella época debía permanecer necesariamente oculto. Es precisamente este detalle, además de la propia belleza del trazo, lo que los convierte en uno de los escasos testimonios visuales de las relaciones lésbicas en nuestro país.

Agnes Essonti Luque, ‘A Journey’

‘A Journey’, de Agnes Essonti Luque

Agnes Essonti Luque (L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona, 1996) es una artista multidisciplinar española-camerunesa afincada en Londres, cuya práctica artística aborda las nociones de identidad, pertenencia y ascendencia en el contexto de la diáspora africana en España, a través de la fotografía, el vídeo, elementos textiles y gastronómicos, performances e instalaciones.

La instalación fotográfica A Journey [Un viaje] (2024) que ha adquirido el Museo, toma como punto de partida una estatuilla de madera procedente de África Central conservada en el Museu Etnològic i de les Cultures del Món de Barcelona. Agnes Essonti encargó una reproducción de la pieza y viajó con ella a Camerún. Por medio de dicho gesto, la artista consigue sacar la pieza del museo y ensaya un viaje de restitución no literal que incide en la problemática de la devolución de las obras conservadas en los museos etnológicos europeos. A su vez, reflexiona sobre su propia identidad enraizada y construida entre dos continentes.

María Luisa Fernández, ‘Artistas ideales’

Artistas ideales de María Luisa Fernández

María Luisa Fernández (Villarejo de Órbigo, León, 1955) es una artista fundamental de la llamada Nueva Escultura Vasca, junto a los artistas Elena Mendizábal, Txomin Badiola, Juan Luis Moraza, Ángel Bados o Pello Irazu. Desde mediados de los ochenta, ha desarrollado una práctica escultórica que a menudo cuestiona el lugar de representación de la figura del artista, en especial, de las mujeres. Con un lenguaje cercano al posminimalismo, al conceptualismo y a la revisión de la tradición escultórica vasca, sus obras incorporan juegos de palabras y dobles sentidos, además de una fuerte presencia de la naturaleza.

En las piezas adquiridas, de la serie Artistas ideales, realizada entre 1990 y 1994, la artista parte de las formas geométricas que recogen los gráficos circulares, las cuales ilustran datos referidos a la presencia pública de los artistas, y las convierte en elementos escultóricos. Realizadas en madera policromada al óleo, principalmente en blanco o negro, estos elementos se disponen verticalmente, unos encima de otros, a modo de tótems o columnas compuestas de discos que remiten a las proporciones humanas. El equilibrio inestable al que somete las formas contrasta con el ideal aparentemente objetivo de la estadística, de ahí que las distintas piezas no terminen de encajar del todo.

Raquel Machado, ‘Archivo de MisoginiaIlustrada’

‘Archivo de Misoginia Ilustrada’, de Raquel Manchado

Raquel Manchado (Alicante, 1977) es una artista visual polifacética. Formada en Bellas  Artes, ha desarrollado una carrera multidisciplinar que abarca la dirección de arte, la edición y la investigación cultural. Su trabajo se caracteriza por un enfoque crítico y analítico de la cultura popular, con un interés particular en la representación de la mujer y la perpetuación de estereotipos de género. En 2017, Manchado fundó Antorcha Ediciones, una plataforma que le ha permitido profundizarben su investigación sobre la violencia simbólica y la misoginia en el humor gráfico y la cultura visual. 

Su proyecto más destacado es el Archivo de MisoginiaIlustrada (2024), una extensa colección de materiales gráficos, incluyendo postales, viñetas, carteles, calendarios, periódicos y revistas, que datan de principios del siglo XX, donde analiza cómo el humor ha sido utilizado históricamente como una poderosa fuerza de normalización en la propagación de mensajes sexistas y discriminatorios, un tema que sigue siendo relevante en la actualidad. Como muestra de ello, las 90 postales seleccionadas se muestran actualmente en la exposición Esperpento. Arte popular y revolución estética, que tiene lugar en el Museo Reina Sofía hasta el próximo 10 de marzo de 2025.

Josep Grau-Garriga, ‘ Colors de secà’

‘Colors de secà’, de Josep Grau-Garriga

Josep Grau-Garriga (Sant Cugat del Vallès, Barcelona, 1929-Angers, Francia, 2011) es considerado un maestro de la tapicería moderna y uno de los referentes de su renovación a través de la Escuela Catalana del Tapiz. Investigando los conceptos de peso y espacio, consiguió otorgar al textil el estatus de arte autónomo, desligado de su carácter artesanal y de su tradicional dependencia de la pintura. Colors de secà [Colores de secano] de 1974, es una obra representativa del periodo maduro de su carrera, por su dimensión y significación, en un momento en el que su investigación se centra en la materia de las fibras y pasa de un concepto plano de urdimbre y la trama hasta un concepto tridimensional.

La variedad de fibras que utiliza hace referencia tanto al trabajo artesanal como a la industria, al mismo tiempo que evoca el trabajo humano, el paisaje y la tierra a través de su título, materialidad, textura y color. Es un ejemplo sobresaliente de lo que la crítica del momento valoró de su obra, el cromatismo pictórico y la materialidad escultórica.

Mónica Mays, ‘and they pray to these images…, knowing not what gods or heroes are’

‘and they pray to these images without knowing not what gods or heroes are’, de Mónica Mays

Mónica Mays (Madrid, 1990) es una de las artistas con mayor proyección internacional dentro de la generación más joven de escultoras que trabajan en el contexto de Madrid. Cursó sus estudios de Antropología Cultural en la Universidad de Nueva Orleans y se graduó cum laude en la École Supérieure des Arts Décoratifs de Estrasburgo en 2015. Su práctica se desarrolla entre la escultura, la instalación y la performance. A través de estos medios, explora la agencia y la historia económica de diversos objetos, a menudo encontrados, los cuales resignifica desde un posicionamiento identitario y transhistórico, en un trabajo donde entrelaza autobiografía, conocimiento material y archivo histórico.

Esta nueva obra, and they pray to these images…, knowing not what gods or heroes are [y rezan a estas imágenes, sin saber qué dioses o héroes son] (2024), está centrada en la noción de paraíso como un marco para reflexionar alrededor de la dominación histórica desde las lógicas de la extracción y el deseo. Una antigua montura de equitación suspendida e impracticable es el eje estructural de esta escultura, la cual se acompaña de elementos naturales, principalmente hojas de palma trenzadas, y de otros residuos industriales encontrados en fábricas abandonadas en los alrededores de Valencia.

Estos elementos evocan mecanismos que impulsan la circulación de las mercancías en un mundo globalizado cuyo origen podría rastrearse en el Barroco, periodo histórico en torno al que la artista trabaja asiduamente, desde su interés por la iconografía, la ornamentación y las lógicas de dominación y extracción que sostienen el comercio internacional.

Marta Minujín, ‘Frozen Sex’

‘Frozen Sex’, de Marta Minujín

Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) es una de las artistas más relevantes del panorama cultural argentino y latinoamericano desde los años sesenta. La artista ha sido además una de las abanderadas del feminismo cuyo trabajo ha puesto en el centro la liberación sexual y el cuerpo de la mujer desde los años 70. En el año 1973, Marta Minujín se encerró en su taller en Washington D.C. y trabajó durante seis meses en la serie Frozen Sex [Sexo congelado], después de una deriva por las calles siguiendo las rutas del placer en cines porno, cabarés, sex shops y fiestas donde la liberación sexual marcaba el ritmo de la vida contracultural en ciudades como Nueva York y San Francisco.

Estas serigrafías juegan con la estética pop para llevar a primerísimos planos los detalles de un imaginario rosa en el que sexo, placer, libertad ydeseo se inscriben en una política de cuerpos transgresores, que exhiben sin pudor la poesía del roce, el goce y el contacto performativo piel a piel, más allá de cualquier barrera social o construcción heteropatriarcal del género. Esta adquisición reviste una suma importancia para el Museo Reina Sofía ya que complementa la obra de la artista ya presente en los fondos del Museo, con estos dos ejemplares gráficos que pertenecen a una serie clave en la trayectoria de la creadora.

Robert Morris, ‘Earth Projects’

‘Earth Projects’, de Robert Morris

Robert Morris (1931-2018) fue un influyente artista y crítico estadounidense, fundamental en el desarrollo del arte conceptual y el minimalismo. Esta carpeta de 10 litografías, publicada por los Amigos Modern Art del Detroit Institute of Art en 1969, es uno de los más importantes documentos del Earth Art.A través de 10 proyectos irrealizables, trabaja con la idea de una obra de arte tan extensa, que no se pueda ver de manera tradicional, es decir de manera frontal o desde dentro.

Para el artista la obra se tiene que caminar, recorrer. Este portafolio secentra en la importancia del paisaje como material de trabajo artístico y propone manipularlo, abrazar sus componentes como la tierra el agua, y los efectos que las estaciones producen en ellos. De esta manera, Morris combina sus propios conceptos de arte con la potencia del paisaje tanto en la destrucción como en la generación.

Maribel Nazco, serie ‘Cuerpos’

‘Cuerpos’, de Maribel Nazco

Maribel Nazco (Los Llanos de Aridane, La Palma, 1938) es una artista de prolongada trayectoria que alterna la vida académica con la experimentación de materiales, estableciendo un diálogo entre pintura y metal. Su estilo se basa en la exploración de lo mecánico y lo orgánico a través de formas que fusionan el cuerpo humano con la máquina y el paisaje.

El trabajo de Maribel Nazco ha sido clasificado dentro del concepto de la “escultopintura” española por el crítico Carlos Areán y reseñado por Gillo Dorfles en su libro Últimas tendencias del arte de hoy (1976). La artista eligió casi siempre el metal como soporte y materia de expresión artística, pero será a partir de 1969 cuando inicia una nueva línea discursiva en la que establece una relación paralela entre el dibujo y la escultura.

Los dibujos de la serie Cuerpos (1976) son un buen ejemplo de la plasmación de una misma idea sobre el papel y el metal. La línea que delimita la luz y la sombra en estos dibujos se ensambla de igual manera que su trabajo en metal y traen ecos eróticos de cuerpos, o fragmentos de cuerpo, con una apariencia blanda, en un primerísimo primer plano que hace que nuestro ojo pendulee entre lo figurativo y lo abstracto.

Mònica Planes, ‘Desvelo III’

‘Desvelo III’, de Mònica Planes

Mònica Planes (Barcelona, 1992) es una artista destacada dentro de la generación más joven de escultoras trabajando en el contexto catalán. Su trabajo parte de la experimentación y negociación permanentes con distintos materiales, entre los que destacan el cemento y la arena de construcción, con los que trabaja asiduamente, así como con los espacios en los que expone. Desvelo III (2025) es la tercera pieza de su serieDesvelo, un conjunto de obras que tienen su origen en la residencia de la artista en la Academia de España en Roma durante 2024 y su encuentro con la célebre escultura Hermaphroditus Dormiens, expuesta en la Villa Pinciana de la Galleria Borghese.

A través de esta mirada transhistórica, Planes actualiza la tradición escultórica desde posicionamientos contemporáneos, dando lugar a una escultura en la que las protuberancias y los huecos, el anverso y el revés, la superficie, la trama o la estructura conviven en un plano de no competencia. Habitualmente, la artista recoge la forma que dejan su cuerpo y los de sus amigos y colaboradores al unirse y entrar en contacto con el material, en este caso, la arena de construcción, lo que incorpora una dimensión temporal y performática a sus esculturas.

Carlos Rodríguez-Méndez, ‘Región de validez’

‘Región de validez’, de Carlos Rodríguez-Méndez

Carlos Rodríguez-Méndez (As Neves, Pontevedra, 1968) hadesarrollado una obra muy personal, que partiendo de la escultura, ha tomado en cuenta los ámbitos del conceptual, la semántica o lo performativo. El artista explica de esta manera el origen y desarrollo de Región de validez (2007-2017): “Desde el año 2007, mi madre (sastra de profesión) confecciona, cada mes, un pantalón y una camisa con las dimensiones de mi padre, que envía a mi dirección en Madrid en un paquete que nunca abro. Una acción que uso como pretexto para recibir y acumular mi nombre escrito por ella, sobre un embalaje que contiene una información física y actual de mi padre”. Esta obra, que contiene una reflexión sobre el duelo y sus posibilidades de representación.

Marina Vargas, ‘Romper el canon’

‘Romper el canon’, de Marina Vargas

Marina Vargas (Granada, 1980) es una artista multidisciplinar establecida en Madrid cuya práctica artística explora la representación de la mujer, la espiritualidad, y la construcción del canon estético a través de un diálogo constante con la iconografía judeocristiana, la historia del arte occidental y las mitologías ancestrales. La artista, que empieza su trayectoria expositiva en 2001, recibe reconocimientos tempranos como es el caso del Premio Injuve de Artes Visuales en 2008.

La obra Romper el canon (2021) se inscribe en una de las líneas de trabajo más fructíferas de la artista, centrada en el cuestionamiento del canon estético occidental y la visibilidad de los cuerpos no normativos. Una línea que tomó un matiz mucho más personal tras recibir el diagnóstico de un cáncer de mama en 2019, temática central de esta fotografía, que debe entenderse en el marco de una serie de obras en las que Marina Vargas aborda su diagnóstico y operación. Apoyándose y subvirtiendo los códigos formales del sistema de enseñanza del desnudo académico, la artista se sitúa en el centro de la composición con el puño en el aire dejando bien visible la cicatriz de su mastectomía. Por medio de dicho gesto, la enfermedad, la herida, el cuerpo fragmentado, pero sobre todo superviviente, se sitúa en el centro de la obra, existiendo. La potencia visual y discursiva de esta obra fue reconocida con el Premio de Fotografía Fundación ENAIRE 2023.

Judy Chicago, ‘Women and Smoke, California’

‘Women and smoke’, de Judy Chicago

Judy Chicago nació en 1939 en Chicago, Illinois. Formada en Bellas Artes en la Universidad de Los Ángeles, fundó en 1970 el primer Programa de Arte Feminista en la Universidad Estatal de California. Su obra, pionera en distintos medios, se caracteriza por un compromiso constante con la artesanía y la experimentación con los nuevos lenguajes de su época. A través de un análisis incesante de temas como el nacimiento y la creación, su identidad judía y la construcción social del patriarcado y la masculinidad, su trabajo cuestiona la “ausencia y el borrado de las mujeres en el canon cultural occidental”.

La obra adquirida, Women and Smoke, California [Mujeres y humo, California] documenta una serie de performances, organizadas por Judy Chicago entre 1971 y 1972. Con ellas pone en cuestión lo que consideraba un exceso de masculinización del movimiento del Land Art, especialmente en los momentos primigenios de este fenómeno artístico, que fue tan potente en EE.UU. y especialmente en la escena californiana.

Juan Pablo Echeverri, ‘miss fotojapón’

‘miss fotojapón #7’, de Juan Pablo Echeverri

Juan Pablo Echeverri (Bogotá, Colombia, 1978-2022) fue un reconocido artista visual colombiano con una corta trayectoria vital, aunque también con una intensa producción visual. Hizo del cuerpo y el rostro humanos ─generalmente los suyos propios, arreglados o vestidos, fotografiados, grabados en vídeo e irreconocibles─ el principio y el fin de todo su arte.

La obra adquirida por el Museo, miss fotojapón #7 y #8, es la serie más extensa de este artista colombiano. Esta obra, central en su trayectoria artística, constituye el eje de toda su poética visual. Para miss fotojapón, Echeverri se autorretrató todos los días desde 1996 hasta poco antes de su muerte, en 2022, en un fotomatón de la tienda colombiana Foto Japón o en cualquier fotomatón que encontrase durante sus viajes. La serie se inició como una ilustración para el diario de Echeverri, que encontrase durante sus viajes.

La serie se inició como una ilustración para el diario de Echeverri, que intentaba documentar su intensa experimentación con la joyería corporal, los peinados y el maquillaje. Sin embargo, ese acto ocasional de transformismo y juego con la moda, con los iconos de la cultura pop y su apariencia física evolucionó hasta convertirse en una práctica artística cotidiana. Las más de 8000 fotografías resultantes se presentan como un retablo en diferentes variaciones y en orden no cronológico.

Luz Lizarazo, ‘Piel extendida’

‘Piel extendida’, de Luz Lizarazo

Luz Lizarazo (Bogotá, Colombia. 1966) es una artista colombiana muy ligada al contexto artístico español, donde ha trabajado durante años. Su obra aborda temáticas como la fragilidad, la relación entre lo privado e íntimo y lo público o la opresión de la voz y el cuerpo femenino, creando un espacio que celebra la libertad, la autonomía y la sexualidad de las mujeres.

La instalación Piel extendida, de Luz Lizarazo (Bogotá, 1966), creada con medias pantis cortadas y unidas unas a otras con hilo dorado, forma el patrón de una geometría orgánica que cubre todos los muros de un espacio. Las paredes son transformadas en una celosía envolvente, una malla que en su transparencia y a través de orificios multiplicados deja penetrar la mirada y ejercitar el tacto. La arquitectura se cubre de una piel delicada, expandida.

Mediante este material textil sintético ─asociado comúnmente a estereotipos de lo femenino─, que la artista emplea habitualmente en sus obras transformándolo de diversas maneras y con lenguajes como la escultura o la performance, Lizarazo metaforiza la condición resiliente de la epidermis como sistema de comunicación entre los individuos y el entorno, al tiempo que reflexiona sobre el propio cuerpo femenino.

Daniel Steegmann Mangrané, ‘Systemic grid’

Daniel Steegmann Mangrané, (Barcelona, 1977) vive y trabaja en Río de Janeiro (Brasil), es uno de los artistas más interesantes de su generación, un grupo que dio la bienvenida al nuevo siglo dando otro sentido a los principios y los estándares del arte contemporáneo. Su obra abarca una amplia gama de técnicas y medios, que van desde el cine al dibujo, pasando por la escultura, el sonido o sus emblemáticos jardines, así como el comisariado de proyectos artísticos. La naturaleza es una constante en sutrabajo, explorando la creación y migración de formas entre esta, el arte y la arquitectura.

Relacionándolo con el calentamiento global y con su forma de entender que cualquier cambio en el medio natural acarrea transformaciones en nuestra propia naturaleza. Una tensión que expresa a la perfección en la obra premiada en el marco de ARCOmadrid 2020. Esta obra de la serie Rejillas sistémicas de Daniel Steegmann Mangrane consiste en un panel de cristal construido con secciones de vidrio transparente y ligeramente distorsionado que se fijan a una lámina subyacente de vidrio de seguridad para crear un patrón geométrico. 

Rejillas sistémicas, de Daniel Steegmann Mangrané